Uroczysta gala zakończyła obchody 60-lecia Programu Fulbrighta w Polsce

Stan Breckenridge jest muzykiem, wykładowcą akademickim oraz autorem książek o tematyce muzycznej. Dzięki stypendium Fulbrighta był profesorem wizytującym na Uniwersytecie Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie oraz Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu.

Stan Breckenridge – laureat nagrody Amicus Poloniae 2019, muzyk, wykładowca akademicki oraz autor książek o tematyce muzycznej. Otrzymał tytuł doktora muzykologii na Claremont Graduate University w Kalifornii. Występował i prezentował swoje wykłady w formie koncertów w wielu krajach – Anglii, Francji, Niemczech, na Węgrzech, w Japonii, na Litwie, w Meksyku, Polsce, na Słowacji i Ukrainie. W Stanach Zjednoczonych koncertował m.in w Dorothy Chandler Pavilion, The Greek Theater, The Los Angeles Forum, The Los Angeles Sports Arena, The Hollywood Bowl, The Watts Summer Festival, Capitol Records, a także brał udział w wielu amerykańskich programach telewizyjnych. Artysta współpracował z takimi osobowościami, jak Madeline Albright, Bill Cosby, Mahalia Jackson, Jerry Lewis, Martha Reeves (The Vadellas), Larry McCormick, Greg Morris, Rowan and Martin, David Ruffin (Temptations), Nancy Sinatra, John Travolta czy John Wayne.

W ostatnim czasie czterokrotnie wystąpił w programie Jaka to Melodia oraz na koncercie specjalnym pt. „Always Close by, Safe Together” („Zawsze blisko, razem bezpiecznie”), zorganizowanym podczas Polsko-Amerykańskiego Pikniku Wojskowego z okazji wizyty prezydenta Donalda Trumpa w Polsce.

Artysta ma w swoim dorobku ponad 10 płyt: Stan Breckenridge Performs Jazz, Blues, Rhythm & Blues, and Soul (2019), Black and Tan Fantasy (z Jazz Band Ball Orchestra; 2017), Inspirations (2014), Out of Love for Jazz (2012), Reflections (2009), A Soulful Christmas (2008), This is My Song (2007), Live in Poland (2005), Solo (2003), Meditations (2001) oraz Expositions (1999).

Poza rozwijaniem kariery muzycznej, Stan Breckenridge angażuje się w działalność akademicką, pełniąc funkcję artysty-rezydenta i profesora wizytującego na Wydziale Anglistyki Uniwersytetu Adama Mickiewicza w Poznaniu. Przed rozpoczęciem tej współpracy był dyrektorem wydziału African American Studies na California State University w Fullerton. W latach 2012-13 i 2013-14 otrzymał stypendium Fulbrighta w kategorii Distinguished Chair na wyjazd do Polski, w ramach którego prowadził zajęcia na Uniwersytecie Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie oraz Uniwersytecie Jagiellońskim w Krakowie. Podczas swojego wcześniejszego pobytu w Polsce w roku 2005 zrealizował stypendium Programu Fulbrighta w kategorii U.S. Scholar.

Stan Breckenridge jest autorem 3 podręczników: Music Taste of Waste: Critical Listening Skills for Students, Teachers, and Parents (wydanie III, 2018); Popular Music in America: Forging the American Spirit (wydanie III, 2015) oraz African American Music for Everyone: Including Theater, Film and Dance ( wydanie III, 2014).

Magdalena Sas jest wiolonczelistką, wielokrotnie nagradzaną w konkursach krajowych i międzynarodowych. W 2014 roku, dzięki stypendium Fulbrighta, miała możliwość studiowania w klasie profesora Erica Kim w Jacobs School of Music na Indiana University w Stanach Zjednoczonych.

Magdalena Sas jest absolwentką Akademii Muzycznej w Krakowie oraz Królewskiego Konserwatorium Muzycznego w Brukseli. Jako wiolonczelistka kwartetu smyczkowego Vistula studiowała podyplomowo w Universität für Musik und Darstellende Kunst w Wiedniu, oraz w prestiżowej European Chamber Music Academy zrzeszającej wyróżniające się zespoły kameralne młodego pokolenia.

Artystka jest laureatką wielu konkursów, m.in. Międzynarodowego Konkursu Kameralnego imienia Charlesa Hennena w Holandii, Międzynarodowego Konkursu w Val Tidone we Włoszech, nagrody imienia Josefa Windischa w Austrii oraz Międzynarodowego Konkursu EMUSE w Grecji. Dwukrotna stypendystka Instytutu Adama Mickiewicza, Prezydenta Miasta Bielsko-Biała, Thomastik Infeld Vienna, European Chamber Music Academy, Jong Talent Musikfestival, Hulencourt Art Project, Jacobs School of Music oraz University of Wisconsin, Madison w USA. W 2012 roku otrzymała stypendium Yale School of Music w USA, w ramach którego wzięła udział w festiwalu kameralnym Norfolk Chamber Music Festival w Connecticut.
Jako muzyk orkiestrowy Magdalena miała okazję współpracować z wieloma zespołami, uczestniczyła w wielu międzynarodowych festiwalach kameralnych (m.in. Consonances we Francji, Mozartiade w Niemczech, Ad-Libitum w Polsce, występując u boku muzyków takich jak Ivry Gitlis, Philippe Graffin, Gary Hoffman, Raphael Wallfisch. W czasie ponad dwuletniego pobytu w Indiach regularnie brała udział w projektach światowej sławy muzyków indyjskich: Zakira Hussaina, Rakesha Chaurasia i Sabira Khan, oraz wystąpiła jako solistka na uroczystym otwarciu Królewskiej Opery w Bombaju.
Magdalena Sas prowadzi również aktywną działalność pedagogiczną: jest wykładowcą Letnich Kursów na Emporia State University w Kansas, Community Music Lessons Program na University of Wisconsin, Madison oraz asystentką na International Cello Institute w Northfield, Minnesota w Stanach Zjednoczonych. W latach 2015-17 prowadziła klasę wiolonczeli w Mehli Mehta Music Foundation a także, jako wolontariuszka, w szkole dla dzieci niewidomych- Happy Home and School for the Blind w Bombaju. W 2019 roku uczestniczyła w programie amerykańskiej organizacji MusAID prowadząc zajęcia indywidualne oraz grupowe jako nauczyciel EL SISTEMA na San Salvador w Ameryce Centralnej.

Jako stypendystka Paul Collins Wisconsin Distinguished Fellowship, jest obecnie studentką drugiego roku studiów doktoranckich na University of Wisconsin, Madison w USA. W roku 2019/2020 będzie reprezentowała Polskę jako członkini międzynarodowego Global Leaders Program, pracując pod kierunkiem wykładowców z m.in. Harvard University, John Hopkins University, Duke University w USA oraz McGill University w Kanadzie.

Michael Poll jest klasycznym gitarzystą i dyrygentem. Dzięki stypendium Fulbrighta w 2010 r. prowadził badania nad polską muzyką folkową na Akademii Muzycznej w Poznaniu.

Michael Poll jest klasycznym gitarzystą i dyrygentem. Jego dorobek artystyczny obejmuje koncerty w Ameryce Północnej, Ameryce Południowej i w Europie, w tym w Barbican Hall, Wigmore Hall i National Theater of Panama. Jego płytowy debiut 7-String Bach został określony jako „wybitny” przez Gramophone Magazine, zaś czasopismo WholeNote zachwalało jego „ciepłe, głębokie i pełne brzmienie”. Od czasu swojej premiery w kwietniu 2018 roku, płyta osiągnęła ponad pół miliona odsłuchań w serwisie Spotify, pojawiła się w rozgłośniach radiowych (londyńskiej Classic FM i amerykańskiej WRTI) oraz zyskała miano płyty miesiąca w programie BBC Guernsey Feature.

W sezonie 2018/19 artysta koncertował w Wielkiej Brytanii (St. James Piccadilly i the Warehouse w Londynie oraz katedrach na terenie całego kraju), Niemczech i Włoszech. W latach 2014-18 pełnił funkcję dyrektora muzycznego Goodensemble Orchestra w Londynie, z którą wystąpił w charakterze dyrygenta na 24 koncertach, w tym m.in na koncercie galowym na cześć królowej Elżbiety II, podczas wykonania Pasji według św. Jana oraz opery Wesele Figara wystawionej przez Bloomsbury Opera (2018).
Jako gitarzysta występował w Bostonie, Waszyngtonie, San Francisco, Londynie, Filadelfii i w Nowym Jorku. Współpracował z takimi artystami jak kompozytorka Elizabeth Ogonek, pianiści Stephen Ciric, David Malus, John Fisher i Jason Bae, tenor Peter Devora, baryton Jake Muffett, oraz jego brat dyrygent, Teddy Poll. Swoje utwory wykonywał na żywo w audycjach radiowych w Polsce, Panamie i Stanach Zjednoczonych, a także za pośrednictwem BBC World Service.

Michael Poll otrzymał stypendium w ramach Programu Fulbrighta w 2010 roku oraz Programu Marshalla w 2012 roku. Jest także stypendystą Norfolk Chamber Music Festival, Aspen Music Festival oraz European American Musical Alliance. Ukończył z wyróżnieniem studia licencjackie z dziedziny muzykologii na University of Pennsylvania. Studiował także dyrygenturę w Curtis Institute of Music u Virginii Allen i kształcenie słuchu pod okiem Erica Sesslera. W 2012 roku otrzymał dyplom Akademii Muzycznej w Poznaniu, a 2 lata później uzyskał stopień magistra na Guildhall School of Music & Drama, gdzie w latach 2015-17 pracował jako asystent. Współpracował z takimi pedagogami, jak Frederic Hand, Lukasz Kuropaczewski, Emiliano Pardo-Tristán, Benjamin Verdery, Piotr Zaleski i Robert Brightmore. Michael jest wykładowcą akademickim na Bryn Mawr Conservatory of Music oraz Polish Guitar Academy.

Nikodem Wojciechowski jest pianistą, laureatem licznych krajowych i międzynarodowych konkursów. Dzięki stypendium Fulbrighta studiował w Jacobs School of Music, w klasie fortepianu prof. Arnaldo Cohena.Nikodem Wojciechowski ukończył z wyróżnieniem Akademię Muzyczną im. F. Nowowiejskiego w Bydgoszczy w klasie fortepianu prof. Katarzyny Popowej-Zydroń. Następnie jako stypendysta Fulbrighta uzyskał drugi tytuł magistra sztuki w Jacobs School of Music (Indiana University) w klasie fortepianu prof. Arnaldo Cohena. Obecnie jest doktorantem w University of Cincinnati College-Conservatory of Music, gdzie studiuje pod okiem prof. Awadagina Pratta. Uczestniczył w wielu kursach mistrzowskich prowadzonych przez takich artystów, jak John Perry, Thomas Hecht, Jerome Rose, Jeffrey Swann, Massimiliano Ferrati, Victor Rosenbaum, Steven Mayer, Mykola Suk, Daniel Shapiro, Victor Rosenbaum, Andrzej Jasiński, Józef Stompel, Waldemar Wojtal, Joaquín Soriano, Tamás Ungar, Jerome Rose, Choong Mo Kang, Mikhail Voskresensky, Nelson Goerner czy Daniel Blumenthal.

Pianista koncertował w ważniejszych centrach muzycznych Polski, w Stanach Zjednoczonych, Chinach, Indonezji, Rosji, Wielkiej Brytanii i Luksemburgu. W latach 2010-2011 odbył kilkakrotnie tournée koncertowe po Chinach. Co roku gra recitale chopinowskie w Polsce, m.in. w Pałacu Pacółtowo oraz w Pałacu w Sannikach. Występował także z recitalami chopinowskimi i prowadził kursy mistrzowskie w Indonezji (Institut Français Indonesia w Bandung oraz Irama Indah Music Centre na Bali). Brał udział w wielu festiwalach muzycznych, m.in. Festiwalu „Tydzień Talentów” w Kąśnej Dolnej, „Chopiniana” – Dni Fryderyka Chopina w Warszawie, VI Rosyjsko-Polskim Festiwalu Muzyki Klasycznej „Dziecięca Akademia Muzyki” w Moskwie,. Międzynarodowym Festiwalu Chopinowskim w Dusznikach Zdroju oraz Międzynarodowym Festiwalu „Chopin w barwach jesieni” w Antoninie. W 2017 roku został zaproszony do Kansas State University, School of Music, Theatre and Dance, gdzie przeprowadził kursy mistrzowskie dla studentów i wykonał recital fortepianowy.

Nikodem Wojciechowski jest laureatem m.in. II nagrody na I Międzynarodowym Konkursie Pianistycznym im. J. W. Krogulskiego w Tarnowie (2018), Taylor Merit Award na NSAL 2016 Instrumental Music Competition w Bloomington, Indiana (2016), III nagrody na X Międzynarodowym Konkursie „Young Virtuosos” w Sofii (2014) i II nagrody na Ogólnopolskim Konkursie Pianistycznym im. F. Chopina w Warszawie (2010). Otrzymał stypendia Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Fundacji J. Kwaśniewskiej „Porozumienie bez barier”, Marszałka Województwa Wielkopolskiego, Rady Miasta Poznania, Prezydenta Miasta Poznania, Krajowego Funduszu na Rzecz Dzieci, Ministerstwa Kultury w Luksemburgu, Towarzystwa im. H. Cegielskiego, Polish Arts Club of Youngstown.

• Autor:Joanna Pottle
• Tytuł:Roam
• Technika wykonania:sitodruk na papierze
• Wymiary: 25x 55 cm
• Rok powstania: 2018

Joanna Pottle urodziła się i wychowała w Richmond w stanie Virginia. Ukończyła artystyczne studia licencjackie na James Madison University w Harrisonburg w Virginii (2019): Studio Art (malarstwo i grafika) oraz Historia Sztuki. Uzyskała tam również licencję edukatora artystycznego. W swojej pracy artystycznej Pottle łączy konteksty kulturowe z badaniami z dziedziny psychologii. Jej praca Roam (2018) podejmuje tematykę fizycznych i abstrakcyjnych krajobrazów, pamięci oraz relacji i zachowań międzyludzkich. W trakcie studiów Pottle wyjechała na wymianę studencką do Włoch, odbyła letni staż artystyczny w Nowym Jorku oraz warsztaty z sitodruku w Krakowie, a także pracowała w muzeach i galeriach w stanie Virginia m.in. w Museum of Fine Arts w Richmond. Otrzymała wiele grantów i nagród a jej prace wystawiane były w różnych częściach Stanów Zjednoczonych i za granicą. Podczas warsztatów z sitodruku w Krakowie, Pottle nawiązała współpracę z Akademią Sztuk Pięknych oraz Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie. Doświadczenie to zaowocowało jej powrotem do Krakowa w ramach stypendium Fulbrighta (2019-20) w ramach którego zaangażowana jest w projekty artystyczne, a także pracę kuratorską i edukacyjną.

• Autor:Kathryn Zazenski
• Tytuł:Untitled
• Technika wykonania:fotografia cyfrowa
• Wymiary:60 x 90cm
• Rok powstania: 2016

Kathryn Zazenski jest artystką wizualną, która bada plastyczność percepcji i połączeń poprzez sztukę, literaturę, wykłady oraz budowanie społeczności. Jej praca Untitled (2016) pochodzi z serii obrazów, które stworzyła podczas współpracy z fizykami i astronomami na Uniwersytecie Warszawskim, na Wydziale Fizyki Doświadczalnej i w Centrum Astronomicznym Mikołaja Kopernika (CAMK) podczas jej pierwszego stypendium Fulbrighta (2015-16). Tak, jak natura ludzka paradoksalnie ma silną potrzebę racjonalizacji, a jednocześnie pragnie być kuszona i uwodzona, jej praca artystyczna czerpie inspiracje zarówno z formalnych badań i zwykłych obserwacji, jak i z różnych źródeł, takich jak fizyka teoretyczna, kosmos, tradycyjna medycyna chińska, czy popularyzacja i zawłaszczenie wschodniej duchowości, blogi o stylu życia i reality TV. Poprzez użycie materiałów dnia codziennego (wody, plastiku, lustra i szkła), jej praca artystyczna jest zakorzeniona w naszych wciąż rozwijających się relacjach z przestrzenią, rozumieniem faktu, fikcji oraz chwil zachwytu, które stanowią spójną częścią naszych codziennych doświadczeń. Zazenski uczestniczyła w międzynarodowych stażach artystycznych i wystawiała swoje prace w takich instytucjach jak San Diego Art Institute w Kaliforni, Zachęta – Narodowa Galeria Sztuki w Warszawie, oraz Centrum Sztuki Współczesnej w Warszawie i w Wilnie. Artystka otrzymała tytuł magistra rzeźby w Cranbrook Academy of Art i jest dwukrotną stypendystką Fulbrighta w Polsce, gdzie obecnie pełni funkcję dyrektor zarządzającej Stroboskop Art Space i twórczyni The Haptic Mind. Zazenski wykłada również w Dartmouth College w stanie New Hampshire, mieszkając między USA i Polską.

• Autor: Jan Tyniec
• Tytuł:Bonsai
• Technika wykonania: żelatynowy srebrny nadruk
• Wymiary:50 x 41 cm papier, 37 x 37 cm obraz
• Rok powstania: 2009 

Jan Tyniec uzyskał stopień magistra na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie (1983) i Hunter College w Nowym Jorku (1989). W latach 1986-2016 mieszkał i pracował w Nowym Jorku oraz w Pensylwanii. Obecnie mieszka na Bali w Indonezji oraz w Warszawie. Szczególnie interesuje go badanie związków między kulturą a naturą. Jego Bonsai Portfolio (2009-15) obejmuje prace zawieszone w czasie, silnie odnoszące się do kultury i tradycji Azji Południowo-Wschodniej. Niektóre z jego fotografii Bonsai celowo przypominają rysunki atramentowe, badają naturę lub ideę natury pielęgnowaną przez umysł, rękę, intencję i obecność. Bonsai jest ostatecznie ćwiczeniem medytacyjnym, sposobem na zrozumienie piękna i logiki czasu, a także śmiertelności. Bonsai symbolizuje ponadczasowe cechy i wyjątkową kruchość, jednocześnie wskazując na paradoks samego życia. Z bardziej formalnego punktu widzenia, praca ta dotyczy percepcji wykraczającej poza to, co można zobaczyć gołym okiem. Fotografie Tyńca pokazywane były na wystawach indywidualnych (w tym w ramach „Radiance Cycles” w River Gallery w Narrowsburgu w stanie Nowy Jork, „Bali-Full Circle” w Klima Bochenska Gallery w Warszawie oraz „Indochina – Antarctica” w Bali Purnati Center for the Arts na Bali) oraz na licznych wystawach zbiorowych, m.in. w Edward Center Gallery oraz w SoHo Photo w Nowym Jorku, w Pittsburgh Center for the Arts i w Tony Raka Gallery na Bali. Jego ostatnie portfolia fotograficzne to “Grass” (od 2015), “Bonsai” (od 2009) oraz “Full Circle: Bali” (od 2002). Fotografie Tyńca o Hongkongu zostały opublikowane w Guggenheim Magazine wiosną 1997 roku. W 2002 i 2003 roku artysta odbył staż w Bali Purnati Center for the Arts na Bali, zaś w 1988 roku w Millay Colony for the Arts w Nowym Jorku .W latach 1986-87 był stypendystą Programu Fulbrighta. Jego obrazy, rysunki i fotografie można znaleźć w kolekcjach prywatnych, korporacyjnych i publicznych w Europie, obu Amerykach i Azji.

• Autor: Joanna Sokołowska
• Tytuł:Drgania
• Technika wykonania:olej i akryl na płótnie
• Wymiary: olej i akryl na płótnie/oil and acrylic on canvas
• Dimensions: 100 x 80 x 2 cm
• Year completed: 2019

Joanna Sokołowska jest malarką i rzeźbiarką, obecnie mieszkającą w Stanach Zjednoczonych. Jej obrazy i rzeźby podejmują temat natury i człowieka, wewnętrznych emocji, życia oraz psychiki. W swojej pracy artystycznej łączy elementy realizmu z ekspresyjnym, emocjonalnym poszukiwaniem siły ekspresji. Jej wykształcenie obejmuje zarówno studia z zakresu sztuki jak i językoznawstwa. Jako stypendystka Programu Fulbrighta (2013) studiowała w Massachusetts College of Art w Bostonie, gdzie otrzymała tytuł magistra sztuk pięknych (MFA) w 2015 roku. Ukończyła też z wyróżnieniem Wydział Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie (2012). W ramach stypendium „Erasmus” studiowała rzeźbę na Akademii Sztuk Pięknych w Rzymie (2009), uzyskała również tytuł magistra filologii angielskiej w Instytucie Lingwistyki Stosowanej Uniwersytetu Warszawskiego (2009). Kontekst międzynarodowy jest bardzo ważny w jej twórczości artystycznej. Jako absolwentka Programu Fulbrighta Sokołowska podróżuje i promuje sztukę jako język uniwersalny pozwalający połączyć ze sobą różne kultury. W Polsce pracowała jako instruktorka rzeźby i malarstwa w warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych oraz w Galerii Sztuki i Projektowania Officyna. Podczas pobytu w Bostonie pracowała jako asystentka dydaktyczna na kursach rzeźby i ceramiki w Massachusetts College of Art and Design. Jej prace wystawiane były na wystawach indywidualnych i zbiorowych w Polsce, we Włoszech, Francji, Tajlandii i Stanach Zjednoczonych. Otrzymała liczne nagrody i wyróżnienia za swoje obrazy i rzeźby (w ostatnim czasie wyróżnienie na Viridian Artists Exhibition w Nowym Jorku w sierpniu 2019 roku). Jej prace są sprzedawane w kilku galeriach w Warszawie (Galeria Napiórkowska, Galeria Officyna, Galeria Stalowa), a także w międzynarodowych galeriach internetowych (Saatchi, Artfinder, Singulart, TouchofArt, Artmajeur). Uczestniczyła w międzynarodowych stażach i seminariach w USA (Carving Studio oraz Sculpture Center w Vermoncie), we Francji (Artinder Residency w St Nicolas du Pelem) i Tajlandii (Andaman Art Seminar w Krabi).

• utor: Michał Puszczyński
• Tytuł: „Studium abstrakcyjnej formy organicznej”
• Technika wykonania: rzeźba budowana z płatów i wałków łączonych ręcznie
• Materiał: glina kamionkowa
• Wymiary: 60 x 40 x 20 cm
• Rok powstania: 2013

Do rzeźby dołączona książka „Sztuka Ognia/Art of Fire”.

Michał Puszczyński jest artystą ceramikiem/rzeźbiarzem, absolwentem Liceum Plastycznego w Częstochowie i wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych oraz adiunktem w Katedrze Ceramiki Wydziału Ceramiki i Szkła Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Realizuje rzeźby i instalacje, wykorzystując ceramikę jako główne medium. Jego prace są poszukiwaniem genezy ceramiki, rzeźby i architektury. Jest to studium podstawowych form w celu uzyskania ekspresji, a nie doskonałości. Interesują go prostota, ślady rąk na powierzchni, proporcje i wielkość rzeźb. Skala ma takie samo znaczenie jak linia, kolor lub kształt – całkowicie zmienia relację między materią a człowiekiem. W swojej sztuce stara się przekraczać granice percepcji ceramiki jako materiału i procesów jej tworzenia, a także stale zadawać pytania i szukać własnych odpowiedzi. Jest prekursorem wykorzystania dalekowschodnich metod wypalania ceramiki w Polsce. Puszczyński brał udział w ponad 200 wystawach, sympozjach i projektach artystycznych w Europie, Stanach Zjednoczonych i Azji. Jest laureatem m.in Nagrody Marszałka Śląskiego dla Młodych Twórców, Stypendium Młoda Polska, Stypendium Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz Stypendium Fulbright Senior Award 2019-20.

• Autor: Endi Poskovic
• Tytuł:14 Stars and 10 Clouds (La Révolution arrive)
• Technika:kolorowy drzeworyt ręcznie rzeźbiony z 4 bloków i ręcznie drukowany w 14 kolorach na Haini kozo-washi
• Wymiary:94 x 140 cm
• Rok powstania: 2010

Endi Poskovic jest artystą multimedialnym zajmującym się grafiką, rysunkiem, rzeźbą i animacją. W swojej praktyce twórczej rozważa szereg technologii jako sposób na zbadanie cech drukowanego obrazu, takich jak tłumaczenie, różnorodność i serializacja. Poprzez swoją pracę wizualną stara się stworzyć obrazy sugerujące szersze tematy wysiedlenia, pamięci i pojednania. Łącząc obraz wizualny z tekstem, Majestic Series Poskovica zmienia sposób odczytywania grafiki, wprowadzając nowy kontekst oraz zmuszając widza do ciągłej reinterpretacji. Poskovic jest profesorem na University of Michigan Stamps School of Art & Design w Ann Arbor w stanie Michigan. Kształcił się w Jugosławii, Norwegii i Stanach Zjednoczonych. Jego prace były prezentowane na całym świecie, przynosząc mu wiele znaczących nagród i wyróżnień, w tym stypendium Fundacji Pamięci Johna Simona Guggenheima, Fundacji Johna D. Rockefellera, Bellagio Center we Włoszech, Programu Fulbrighta w Polsce, Fundacji Pollocka-Krasnera, Fundacji Camargo we Francji, Open Studio Toronto-Ontario Arts Council, Indiana Arts Commission, Fundacji  Art Matters, New York State Arts Council, Flamandzkiego Ministerstwa Kultury – Frans Masereel Centrum i wielu innych. Instytucje artystyczne, w których znajdują się dzieła artysty to m.in. Philadelphia Museum of Art, Detroit Institute of the Arts, Fogg Art Museum-Harvard University, New Orleans Museum of Art, Tampa Museum of Fine Arts, Vaasa Ostrobothnian Museum (Finlandia), Musée d’Art Contemporain Fernet Branca-Saint-Louis (Francja) i Jincheon Museum (Korea Południowa). Kompleksowe wystawy indywidualne prac Poskovica zostały zorganizowane przez Philadelphia Print Center, Plains Art Museum, Des Moines Art Center, Bemis Center for Contemporary Art, SUNY-Fredonia Rockefeller Arts Centre, Frans Masereel Centrum w Belgii, Tidaholm Konstlitografiska Museet w Szwecji i Changsha Centrum Kultury i Sztuki Yu Xiang w Chinach. 

• Autor: Jan Pamuła
• Tytuł: “Pole dyskretnych zmian barwnych”
• Wymiary: 80 x 80 cm
• Technika wykonania: grafika cyfrowa
• Rok powstania: 2019

Jan Pamuła ukończył studia magisterskie w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie (1968) i Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts w Paryżu (1967). Obecnie obejmuje stanowisko profesora Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie (od 2015 – Profesor emeritus). Zajmuje się malarstwem, grafiką i mediami elektronicznymi. W latach 1996-2002 pełnił funkcję Prorektora, a w latach 2002-2008 – Rektora ASP w Krakowie. Pracował jako Visiting Assistant Professor na University of Connecticut w Stanach Zjednoczonych (1992). W ramach stypendium Fulbrighta (1993-94) odbył staż naukowy oraz prowadził zajęcia w New York Institute of Technology. Pamuła jest laureatem wielu prestiżowych nagród zwłaszcza za twórczość graficzną, w tym Nagrody Miasta Krakowa (2013) oraz Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego (2014). W 2018 roku otrzymał Złoty Medal „Zasłużony Kulturze Gloria Artis”. Jego prace pokazywane były na licznych wystawach indywidualnych i zbiorowych, m.in. w Polsce, Austrii, Holandii, Stanach Zjednoczonych, Wielkiej Brytanii i w Chinach oraz znajdują się w zbiorach takich instytucji jak Muzeum Narodowe w Warszawie, Zachęta – Narodowa Galeria Sztuki w Warszawie, Muzeum Narodowe w Krakowie, Muzeum Sztuki Współczesnej MOCAK w Krakowie, Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie (Wielka Brytania), Muzeum Sztuki w Portland w stanie Oregon (USA), Albertina w Wiedniu (Austria), a także w Chińskim Muzeum Grafiki w Guanlan (Chiny) i wielu innych.

• Autor: Monika Niwelińska
• Tytuł:Industrial Utopia I
• Wymiary: 120 x 90 cm
• Technika wykonania: akryl na płótnie
• Rok powstania: 2004

Monika Niwelińska jest artystką wizualną. Jej obszar działań to fotografia – procesy światłoczułe, malarstwo, rysunek, grafika, instalacja, sztuka site-specific oraz land art. W pracy twórczej interesują ją analogie pomiędzy pamięcią a percepcją w odniesieniu do miejsca i czasu, jak również kwestie dotyczące zagadnień obraz–entropia–melancholia. Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie oraz University of Alberta w Edmonton w Kanadzie. Studiowała także filozofię na Uniwersytecie Jagiellońskim w Krakowie oraz malarstwo na Akademie der Bildenden Künste w Wiedniu. Laureatka wielu stypendiów i nagród, w tym Stypendium Fulbrighta (Senior Award 2016-17), Stypendium Młoda Polska, Stypendium Miasta Krakowa czy Stypendium Fundacji Kościuszkowskiej; wielokrotna stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Obecnie jest adiunktem w Katedrze Rysunku i Malarstwa na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. W swoim dorobku artystycznym ma liczne wystawy w kraju i za granicą. Jej prace, teksty i inne informacje dostępne są na stronie: www.niwelinska.com

• Autor: Zofia Klajs
• Tytuł:Strange Attractors
• Wymiary: 420 x 594 mm
• Technika wykonania: druk cyfrowy
• Rok powstania: 2018

Plakat do publikacji “Strange Attractors” projektu kuratorskiego Nomadumy Rosy Masileli w ramach X Berlin Biennale for Contemporary Art.

Zofia Klajs jest artystką graficzką oraz plakacistką. Zajmuje się komunikacją wizualną, grafiką wydawniczą, plakatem oraz grafiką artystyczną. Stypendystka Fulbrighta oraz Fundacji Kościuszkowskiej w Parsons The New School for Design w Nowym Jorku (2014, 2016). Absolwentka Wydziału Grafiki warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych (dyplom w pracowni prof. Lecha Majewskiego, 2011), doktorantka na macierzystej uczelni. Laureatka Złotego Debiutu na Międzynarodowym Biennale Plakatu w Warszawie (2012), Stypendium Artystycznego m. st. Warszawy (2012) oraz wielu edycji Grafiki Warszawskiej. Jej prace pokazywane były na licznych wystawach w kraju i za granicą, m.in. na 10th Berlin Biennale for Contemporary Art w Niemczech, Golden Bee Moscow Global Biennale of Graphic Design w Rosji, Italian Poster Biennial we Włoszech, Międzynarodowym Triennale Grafiki w Krakowie, a także w Kanadzie, Bułgarii oraz na wystawach indywidualnych w Polsce i w Niemczech.

• Autor: Joanna Kaiser
• Tytuł: Przepowiednia
• Technika wykonania: giclee print/druk cyfrowy archiwalny,
• Wymiary: 100 x 70 cm
• Rok powstania: 2017.

Joanna Kaiser ukończyła Wydział Grafiki na Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie (1991). Od czasu ukończenia studiów pracuje na macierzystym wydziale, gdzie obecnie jako prof. ASP prowadzi dyplomującą pracownię rysunku. W ramach stypendium Fulbrighta współpracowała z  University of Connecticut (2000-01). Uprawia malarstwo, grafikę i rysunek. Jej prace pokazywane były na wielu wystawach w kraju i za granicą m.in.: „Plastyka Widzenia,” Galeria Zalubowski, Kraków (2019); „The Future at Last: Contemporary Artists from Poland,” Benetton Foundation, Accademia Polacca delle Scienze, Rzym (2017); „Tradition and Contemporaneity: Prints and Drawings from Krakow,” Elizabethtown College’s Hess Gallery, USA (2016); „Prints from Poland,” HACC’s (Harrisburg Area Community College) Rose Lehrman Art Gallery, USA (2016); oraz „Freegeneration,” 40th Annual Southern Graphics International Conference in New Orleans, USA (2012). Artystka jest laureatką wielu prestiżowych nagród, w tym Nagrody Jubileuszowej za 25 lat pracy (2017), Nagrody II Stopnia Rektora ASP za osiągnięcia artystyczne i pedagogiczne (2012) oraz Srebrnego Krzyża zasługi RP (2012). Jest współautorką projektu “Nature is my Homeland” (2019-21) finansowanego przez Narodową Agencję Wymiany Akademickiej (NAWA) na Uniwersytecie w Belgradzie, Uniwersytecie w Alabamie, Hochschule Trier oraz Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie.